Pluma acústica | Anacaona y Naborí: crónicas de bronce, tambor y canto

Por Kike Gavilán

artísticos que van más allá del mero entretenimiento para meterse de cuerpo entero en el alma de los pueblos. La dupla conformada por el compositor puertorriqueño Catalino “Tite” Curet Alonso y el incomparable sonero Cheo Feliciano representa uno de los hitos más sentidos de la música Caribeña. No se trató simplemente de hacer bailar a las multitudes de los barrios bravos de Nueva York y del Caribe urbano; lo que hicieron fue levantar un monumento de dignidad afrocaribeña e indígena a través de la salsa.

Cuando la salsa transitaba sus años de ebullición en la década de 1970, huyendo de la banalidad comercial para convertirse en la crónica fiel del pueblo, Tite Curet nutrió sus letras de una profunda sensibilidad antropológica, rescatando del olvido histórico a figuras esenciales de los pueblos originarios. Dos de los ejemplos más claros de este rescate son los temas Anacaona y Naborí, interpretados con magistral elegancia y desgarro por Cheo Feliciano. Ambas canciones funcionan como crónicas de bronce, resistencia y poesía pura. 

Anacaona: el grito trágico de la reina taína

Anacaona (cuyo nombre significaba “Flor de Oro” en lengua taína) fue una cacica, poetisa y reina de la región de Jaragua, en la isla La Española (hoy compartida por Republica Dominicana y Haití), nacida alrededor de 1474. Hermana del cacique Bohechío y esposa del legendario Caonabo, Anacaona gobernó con sabiduría y prudencia en una época de gran turbulencia marcada por la llegada de los colonizadores españoles a finales del siglo XV.

Tras la muerte de su esposo y su hermano. Ella asumió el liderazgo de su pueblo. Aunque inicialmente intentó mantener una convivencia pacífica con los españoles (incluso recibiendo al gobernador Nicolás de Ovando en su territorio con muestras de hospitalidad, bailes y cantos tradicionales llamados areitos), la codicia y el miedo de la Corona española sellaron su destino.

Ovando, sospechando de una conspiración indígena para sacudirse el yugo colonial, organizó una trampa sanguinaria en 1504. Invitó a Anacaona y a los principales caciques de Jaragua a un banquete bajo promesas de paz; una vez reunidos, los soldados españoles los rodearon, quemaron la casa grande y masacraron a la nobleza taína. Anacaona fue apresada, trasladada a Santo Domingo y, tras un parapeto de juicio, ahorcada públicamente. Su muerte simbolizó el ocaso trágico del mundo taíno ante la conquista española. 

La letra de Tite Curet es una clase magistral de historia condensada en formato popular. Tite no describe a Anacaona como una víctima pasiva, sino como una soberana de altivez inquebrantable. La estructura del montuno eleva el coro de forma hipnótica. La voz de Cheo no canta: llora, denuncia y conmemora con un terciopelo áspero que transmite tanto la dulzura de la mujer como la tragedia de su pueblo aniquilado. 

Naborí: el eco del trabajo, la tierra y la raíz indígena 

A diferencia de Anacaona, que posee nombre propio y un rostro perfectamente delimitado en los anales de Indias, Naborí representa a una categoría social y humana: los naborías. En el sistema de organización social de los taínos, los naborías constituían la clase trabajadora, el pueblo llano, los agricultores, pescadores y artesanos que sostenían con su esfuerzo físico la estructura de la comunidad.

Con la llegada de la colonización el término mutó, designando con éste a los indígenas sometidos a servidumbre o vasallaje. Sin embargo, en el imaginario popular antillano y, particularmente en la poesía de Tite, la palabra “naborí” adoptó un significado de profunda hermandad campesina, resistencia silenciosa y arraigo a la tierra. Simboliza al indio trabajador, al hombre y la mujer de manos callosas que, a pesar del despojo colonial, dejaron su huella genética, cultural y espiritual en las venas del Caribe mestizo. Aunque en la canción se habla de una mujer, en realidad se refiere a toda la fuerza trabajadora del campo.

Si Anacaona es la tragedia de la realeza taína, Naborí es la epopeya de la cotidianidad y la tierra. Tite Curet utiliza la figura del naborí para hacer un puente entre el pasado precolombino y el antillano contemporáneo. El ritmo invita al baile ritual paro la letra exige reflexión. Cheo Feliciano interpreta este tema con una picardía llena de respeto; su voz entra en un dialogo constante con el coro y la percusión, haciendo que el oyente sienta que está escuchando el latido mismo de la tierra antillana. 

La historia contada al ritmo de la salsa

Anacaona fue publicada en el icónico álbum debut como solista de Cheo Feliciano llamado: Cheo, de 1971. Este disco marcó el histórico y celebrado regreso de Feliciano a los escenarios y a la música tras superar un complejo proceso de rehabilitación por adicción a las drogas, convirtiéndose inmediatamente en un clásico fundacional de la salsa con conciencia. Pero además, formó parte de la banda sonora de la película documental Our latin thing, y estuvo incluida en el álbum recopilatorio de las canciones del film producido por Fania y dirigido por León Gast.

El tema tiene dos versiones, la de estudio y la versión en vivo grabada en el legendario local Cheetah de Nueva York, en el contexto de la película, el 26 de agosto de 1971. Este último corte es más agresivo a nivel musical, toda la maquinaria de la Fania All Stars ruge y el tema toma dimensiones más urbanas. El solo de piano de Larry Harlow es endemoniado, los metales son estampidas sonoras, la percusión es un yunque y los coros son simplemente insuperables. 

Naborí, por su parte, se encuentra incluida en el tercer disco de Cheo como solista: With a Little help from my friends, de 1973. Este LP consolidó la etapa dorada de Cheo Feliciano como solista estelar bajo el paraguas del sello Fania, demostrando que el éxito de su debut no había sido una casualidad, sino el inicio de una madurez artística inigualable. 

Poner cara a cara Anacaona y Naborí permite entender la dimensión ideológica y estética del proyecto que Tite Curet Alonso y Cheo Feliciano articularon en la primera mitad de los años setenta. Ambas canciones logran un milagro estético complejo: narran masacres, despojos, abusos y el dolor del sometimiento colonial, pero lo hacen a través de la clave del son con arreglos brillantes y montunos cadenciosos. Estos temas no buscan deprimir al bailador, sino dignificarlo. Son documentos de identidad, actos de justicia poética y monumentos sonoros erigidos en honor a las víctimas de la historia colonial americana.